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Der Künstlertod und seine Wirkung auf den Kunstmarkt

Die Gesetze von Angebot und Nachfrage sind ein grundlegendes Element der modernen Wirtschaftstheorie. Daher überrascht es nicht, dass die meisten Menschen davon ausgehen, dass der Wert der Arbeit eines Künstlers zunehmen wird, wenn er aus gesundheitlichen Gründen oder aufgrund des Unvermeidlichen aufhört zu produzieren.

 

Aber wie so oft, wenn es um Kunst geht, ist die Realität deutlich komplexer. Faktoren wie das Alter eines Künstlers, die Körpergröße, der Ruhm, die Menge an produzierten Arbeiten und deren Relevanz spielen alle eine entscheidende Rolle. Im Nachfolgenden eine Analyse, wie sich das Sterben eines Künstlers auf dessen Wek auswirkt, basierend auf akademischer Forschung, Daten zum Wiederverkauf aus dem Mei Moses-Index und Interviews mit Experten.

 

1. Der frühe Tod

 

Henry Wallis Gemälde „Der Tod des Chatterton“ aus dem Jahr 1856 wurde zum archetypischen Bild einer brillanten, verdammten Jugend. Es zeigt den verstorbenen Dichter Thomas Chatterton, der sich im Alter von 17 Jahren mit Arsen getötet hat. Er wurde zu einem mächtigen Symbol unter den Romantikern und diese Faszination für den jungverstorbenen Künstler, dessen Leben viel zu früh zu Ende ging, etwa Caravaggio (38), Van Gogh (37) oder Basquiat (27), setzt sich bis heute fort.

 

Im Jahr 2011 analysierten zwei deutsche Ökonomen, Heinrich Ursprung und Christian Wiermann, mehr als 430.000 Transaktionen in dem zwischen 1980 und 2005 veröffentlichten Hislop Art Sale Index. Sie fanden heraus, dass Künstler, die jung gestorben waren, nach ihrem Tod eher einem Preisverfall unterliegen.

 

Sie stellen in ihrer Veröffentlichung „Price and Death: Eine empirische Analyse der Preisbildung von Kunst“ fest, dass Künstler zu Beginn ihrer Karriere meist noch keinen weitreichenden Ruf haben. Und dennoch sind die Preise für Werke mancher junger aufstrebender Künstler sehr hoch. Wenn ein solcher Künstler vorzeitig stirbt, ist das Lebenswerk möglicherweise nicht ausreichend, um den erwarteten Ruf zu erzeugen, und der Preis sinkt.

 

Daten von Sotheby's Mei Moses Index zeigen, dass es Ausnahmen gibt. Der US-amerikanische Pop-Künstler und Aktivist Keith Haring starb 1990 im Alter von nur 31 Jahren an einer Aids-Erkrankung. Sammler, die seine Werke in den zwei Jahren vor seinem Tod gekauft haben, haben seit dem einen durchschnittlichen jährlichen Wertzuwachs von 13,3 % beim Wiederverkauf verzeichnet. Diejenigen, die in den zwei Jahren danach kauften, verzeichneten einen durchschnittlichen jährlichen Anstieg von nur 7,3%, was auf einen starken Wertanstieg nach dem Tod von Haring hindeutet.

 

Basquiat war zum Zeitpunkt seines Todes ein „Rockstar“. Dies könnte den Anstieg seines Marktes unmittelbar danach erklären. Amy Cappellazzo, Mitbegründerin von Art Agency, Partners (AAP), war in den späten 1980er Jahren eine junge Studentin in New York. "Es ist sehr selten, dass jemand mit dieser Art von Glamour - diese Art des Kunstpublikums - auftaucht", sagt sie. „Ich kann mich noch sehr gut an den Tag erinnern, an dem er starb. Ich lebte im East Village und hörte Leute sagen, Jean-Michel sei tot. Es war ein Tag, den wir nicht vergessen werden. "

 

2. Die „Wiedergeburt“

 

Sogar Ökonomen kämpfen mit der Theorie der Künstlerpreise. Ursprung und Wiermann argumentieren, dass die Reputation und Nachfrage einer erfolgreichen Künstlerlaufbahn bis zum Alter von etwa 70 Jahren ansteigt. In ihrem Modell wirkt sich der "Todes-Effekt" auf die Preise negativ aus, wenn ein Künstler jung stirbt, aber er steigt stetig mit dem Todesalter an. Ab einem Alter von 70 Jahren knickt er dann wieder ein wenig ein. Auf dieser Basis sind für einen bekannten Künstler, der in seinen achtziger Jahren stirbt, eine Wertsteigerung von 11% bis 14% zum Zeitpunkt des Todes zu erwarten. Der Effekt war für besonders berühmte Künstler am offensichtlichsten.

 

Im Jahr 2017 veröffentlichten jedoch drei weitere Ökonomen, Robert Ekelund, John Jackson und der verstorbene Robert Tollison, Forschungsergebnisse (The Economics of American Art: Issues, Artists and Market Institutions) in denen Auktionsergebnisse von 17 amerikanischen Künstlern, welche zwischen 1987 und 2013 verstorbenen waren, analysiert wurden. Die Liste umfasst berühmte Männer wie Andy Warhol, den weniger bekannten Millard Sheets, Frauen wie Joan Mitchell und den Afroamerikaner Romare Bearden.

 

Sie fanden heraus, dass die Preise am Ende der Karriere eines Künstlers im Durchschnitt in den letzten fünf Lebensjahren um 6% gestiegen sind. Dies deutet darauf hin, dass der Markt den Todeseffekt bereits einpreist, solange der Künstler noch lebt. Es erfolgte im Durchschnitt ein Rückgang von 26% im Jahr nach dem Tod (dies deutet auf ein Überangebot bei Auktionen und Spekulation hin), doch im Laufe der Jahre stiegen die Märkte wieder an.

 

Willem de Kooning, der als einer der größten Maler des abstrakten Expressionismus des 20. Jahrhunderts gilt, litt am Ende seines Lebens an Demenz. Er hörte daher 1991 auf zu arbeiten, sechs Jahre vor seinem Tod 1997. Doch der Mei Moses Index zeigt, dass Sammler, die seine Werke in den USA verkauften zwei Jahre vor seinem Tod einen durchschnittlichen jährlicher Wertzuwachs von 3,3% verzeichneten, während er in den folgenden zwei Jahren nach dem Tod 5,5% betrug.

 

„Es gab immer eine Nachfrage nach De Koonings Arbeiten. Er hatte immer einen konstanten Markt “, sagt Allan Schwartzman, Mitbegründer von AAP. Er sagt, dass De Kooning ungewöhnlicher weise eine wichtigere späte Karriere gemacht hat und wieder öffentliche Aufmerksamkeit gefunden habe. „Es gab eine Wiedergeburt des Interesses einer neueren Generation von Künstlern und Sammlern, die gegen Ende seiner Karriere mit einer Wiedergeburt in seinen eigenen Arbeiten einherging. In gewisser Hinsicht wurde er wieder zu einem zeitgenössischen Künstler. Die Vorstellung, dass ein abstrakter Expressionist in den achtziger Jahren für die Malerei genauso relevant ist wie in den vierziger und fünfziger Jahren, ist sehr selten. “

 

De Koonings Ausstellungsgeschichte bestätigt dies. In den 1990er Jahren hatte er 27 kommerzielle Ausstellungen, eine vom Public Art Fund organisierte Ausstellung von Skulpturen im Freien und 10 Museumsausstellungen, von denen drei zu insgesamt 13 weiteren führenden internationalen Museen führten. Eine 1995 vom San Francisco Museum of Modern Art und dem Walker Art Center organisierte Show, die auch im MoMA, in Rotterdam und Bonn tourte, konzentrierte sich auf die Gemälde der späten 1980er Jahre.

 

3. Der Nachlass

 

Niemand denkt gerne über die eigene Sterblichkeit nach. Daher ist es verständlich, dass einige Künstler es vermeiden, ein Testament zu schreiben oder eine Stiftung zu gründen. Aber es ist eine Pflichtaufgabe eines jeden Künstlers, der die Langlebigkeit seiner Reputation sicherstellen will. Streitende Erben, Klagen, Unklarheiten über die Anzahl der Arbeiten oder deren langfristige Zukunft können leicht das Vertrauen in ein Werk beeinträchtigen.

 

Christine J. Vincent ist Projektleiterin der gemeinnützigen Artist Endowed Foundations Initiative am Aspen Institute, einem in Washington DC ansässigen Führungs- und Politikforum, in dem Stände und Stiftungen untersucht werden. "Streitigkeiten bedeuten, dass erhebliche Beträge für Rechtskosten aufgewendet werden und Ressourcen verbraucht werden, die für gemeinnützige Zwecke der Stiftung bestimmt sind", sagt sie. "Die Belastung der Rechtskosten zwingt häufig zum Verkauf von Kunstwerken - im schlimmsten Fall zum Verkauf vieler Kunstwerke -, was sich kurzfristig auf den Künstlermarkt auswirkt und die für die Stiftung vorgesehene Sammlung einschränkt."

 

Es gibt wichtige Lektionen zu lernen. Der Nachlass des österreichischen Künstlers Franz West (1947-2012) wurde in der Schwebe gelassen, als ein erbitterter fünfjähriger Streit ausbrach, der eine eilig errichtete neue Stiftung gegen seine Erben bildete. Der österreichische Oberste Gerichtshof befand letztes Jahr zu Gunsten der Familie.

 

Die Vertretung des Anwesens wurde inzwischen von David Zwirner übernommen. Erst Ende letzten Jahres erhielt West schließlich eine Retrospektive, die im Centre Georges Pompidou in Paris eröffnet wurde und später in diesem Monat (20. Februar bis 2. Juni 2019) zur Tate Modern in London reist. Die Auktionspreise sind ebenfalls gestiegen. Vier der fünf besten Auktionsrekorde von West wurden seit Mitte 2017 aufgestellt, mit einem Rekord von $ 871.500 (Schätzung $ 600.000 bis $ 800.000), die im Mai diesen Jahres für ein große Skulptur, Untitled (2011), bei Christies New York bezahlt wurden.

 

Als Sam Francis 1994 starb, dauerte es zehn Jahre, bis sein Gut nach familiären Streitigkeiten um Geld und Kunstwerke besiedelt war. Als alles vorbei war, war der größte Teil der Kunst bereits verkauft worden, um Rechnungen und Steuern zu zahlen, die hätten vermieden werden können. Die Daten von Mei Moses zeigen, dass Sammler, die Francis Werke in den zwei Jahren vor seinem Tod gekauft hatten, einen Anstieg der mittleren jährlichen Erträge von 4,5% verzeichneten, diejenigen, die in den zwei Jahren danach gekauft hatten, 7,9%. Francis 'Markt erholt sich erst jetzt endgültig, zum Teil dank "der guten Führung der Stiftung" in den folgenden Jahren.

 

Das Leitungsgremium einer Stiftung muss über Geschäftssinn verfügen, Erfahrung in der Verwaltung einer gemeinnützigen Stiftung, Kenntnisse in den relevanten Programmbereichen der Stiftung (z. B. Stipendien) und ein kunsthistorisches Verständnis des Künstlers haben. Kunsthändler, Anwälte, Buchhalter und Anlageberater der Stiftung sollten keine Vorstandsmitglieder sein. "Und wir raten dringend davon ab, ausschließlich aus Familienangehörigen bestehende Mitglieder zu sein, da dies zu Interessenkonflikten führt und es unwahrscheinlich ist, dass sie über alle erforderlichen Fähigkeiten verfügen.", sagt Vincent.

 

4. Die Marktflut

 

Die Berichterstattung in den Medien, die durch den Tod eines bekannten Künstlers hervorgerufen wird, bewegt die Eigentümer von Werken häufig zum Verkauf. Künstlerstiftungen und Galerien können wenig tun, um einen Anstieg der zur Versteigerung kommenden Werke zu verhindern, aber die Auswirkungen sollten immer in der Betrachtung bleiben.

 

Es gibt einen Unterschied zwischen den Auswirkungen des Todes auf einem Künstlermarkt und dem posthumen Anstieg mit der Zeit. Künstlermärkte können kurzfristig unterdrückt werden, weil zu viele Beteiligte versuchen, gleichzeitig zu verkaufen.

 

Daten von Mei Moses zeigen die Auswirkungen einer Flut von Werken, die auf den Markt kommen. In den zwei Jahren vor dem Tod des chinesisch-französischen Künstlers Zao Wou-Ki im Jahr 2013 verzeichnete Artnet.com 855 Werke, die versteigert wurden. Zwei Jahre später war diese Zahl um 49% auf 1.271 angestiegen (zum Vergleich waren im entsprechenden Zeitraum 135 bzw. 145 Werke von Cy Twombly aufgetaucht).

 

Sammler, die die Werke von Zao vor 2013 weiterverkauften, profitierten von einem durchschnittlichen jährlichen Wertzuwachs von 28%, jene im Zeitraum 2013 bis 2015, nur einen Anstieg von 23%, also ein Rückgang von 5%. Seitdem sind die Preise in die Höhe geschossen: Im September letzten Jahres wurde bei Sotheby´s Hongkong ein Rekord von 65 Millionen Dollar für ein Gemälde aus dem Jahr 1985, Juin-Octobre 1985, aufgestellt.

 

Die in London, New York und Shanghai ansässige Galerie Lévy Gorvy arbeitete 2017 mit der Künstlerstiftung zusammen. Zu Beginn dieses Jahres fand in New York eine Ausstellung statt, in der Zao und De Kooning zusammenkamen. Emilio Steinberger, Senior Partner bei Lévy Gorvy, sagt: „Das Ziel der Stiftung ist es nicht, die Preise zu erhöhen. Ihr Ziel und unser Ziel ist es, die Sichtweise von Zao über den chinesisch-französischen Pseudo-Abstrakten Expressionisten hinaus zu erweitern. Wir sehen Zao als Schlüsselfigur in der Kunst des 20. Jahrhunderts, mit einer unglaublich starken Sprache und als Brücke zwischen westlicher und chinesischer zeitgenössischer Kunst. Die Stiftung verkaufe derzeit keine Werke, sondern fördere die Ausstellung von Museen und die Vorbereitung eines Werkverzeichnisses.

 

5. Die Wiederentdeckung

 

Als die Tate Modern in London ihre Erweiterung 2016 mit einem vollständigen Neuaufbau der Kollektion einweihte, reagierten einige in Großbritannien mit Überraschung. War die Ausstellung mit Werken von Ellsworth Kelly wirklich durch die von Sheela Gowda ersetzt worden? Wer war Norman Lewis, ein kaum bekannter Afroamerikaner, der zwischen den Barnett Newmans und Nicolas de Staels hing? Ja, wir kennen Bridget Rileys Op Art, aber wer sind Dadamaino und Ivan Picelj?

 

Die Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts wird in Museen wie dem Tate, dem Museum of Modern Art und dem Guggenheim in New York, dem Pompidou in Paris und dem Los Angeles County Museum of Art neu ausgelegt. Dies führt zu einer stärkeren Bekanntheit der Arbeit von Frauen, Afroamerikanern und Latinos sowie von Künstlern außerhalb Westeuropas und der USA.

 

Der Prozess der "Wiederentdeckung" ist jedoch langwierig und langsam, wie eine kürzlich von In Other Words und artnet News durchgeführte Analyse des Erwerbs von Werken von Afroamerikanern durch US-Museen zeigt. "Dies ist ein langfristiges Generationenprojekt", sagt der amerikanische Kritiker und Kurator Robert Storr. "Es war höchste Zeit, dass der westliche Kanon niedergerissen und herausgespült wurde - es gab ein ganzes Feld von Errungenschaften, die erneut betrachtet werden müssen."

 

Laut Alison Jacques, der Gründerin der gleichnamigen Londoner Galerie, die mit der Foundation der amerikanischen Malerin Dorothea Tanning (1910-2012) zusammenarbeitet, hat sich eine "außergewöhnliche Veränderung" ergeben. "Mein Ziel ist es, dafür zu sorgen, dass Dorothea als eine große Künstlerin verstanden wird", sagt sie. "Sie ist nicht nur eine surrealistische Künstlerin [eng mit ihrem Ehemann Max Ernst verbunden], sie hat bis in die späten 1990er Jahre jahrzehntelange Arbeit geleistet." Bisher waren ausschließlich die Arbeiten der 1940er und 1950er Jahre in den Museen vertreten.

 

Es ist nicht überraschend, dass die größten Wertsteigerungen auf Auktionen für die Arbeit dieser Periode erzielt wurden. In den letzten vier Jahren haben sowohl The Temptation of St Anthony (1945-6) als auch The Magic Flower Game (1941) bequem die 1-Millionen-Dollar-Marke auf einer Auktion überschritten, wobei das Letztere seine hohe Schätzung mehr als verdreifachte. Ende 2016 machte Artcurial einen Rekord für ein abstrakteres Werk aus dem Jahr 1960, Visite éclair, mit 106.000 US-Dollar und übertraf damit seine obere Schätzung von 64.000 US-Dollar. Ein weiterer überdurchschnittlich hoher Rekord wurde 2015 für ein spätes Blumengemälde, Nephaster cyaneus (cloudstar) (1997) (69.000 $, geschätzte 30.000-50.000 $) aufgestellt.

 

"Auf Dorotheas Markt, bei Auktionen und im Primärverkauf hat sich eine vollständige Transformation vollzogen", sagt Jacques. Der Höhepunkt dessen, sagt sie, ist die vollständige Karriere-Retrospektive, die gerade im Museo Reina Sofia in Madrid geschlossen wurde („Dorothea Tanning: Hinter der Tür, eine weitere unsichtbare Tür“) und in Kürze bei der Tate Modern (27. Februar bis 2. Juni 2019) in London eröffnet. "Ich war begeistert von der Ausstellung im Reina Sofia und bin sehr gespannt, wie sich die Ausstellung in der Tate Modern entwickeln wird", sagt sie.

 

6. Die Exposition nach dem Tod

 

Im Juni nutzten Bernie Lagrange, Spezialist bei Sotheby's, und Michael Klein, Analyst bei Sotheby's, Daten, um den Mythos in Frage zu stellen, wonach große Museumsausstellungen die Märkte steigen lassen. Sie stellten fest, dass dies durch mehrere Faktoren kompliziert wurde: der Reputation des Künstlers, dem Karrierestand, der Verknappung des Angebots und dem Ruf der Kuratoren und des Museums.

 

Große institutionelle Shows sind wichtig für die Rezeption von Nachwuchskünstlern. Aber es ist nur ein Teil des Puzzles, besonders wenn Sie dies aus der Perspektive des Marktes abwägen. Es gibt eine Kluft zwischen dem Markt und der Welt der Kuratoren. "Nehmen Sie jemanden wie Mira Schendel [1919-1988]", sagt Storr. „Sie ist schon seit Ewigkeiten in der Welt und hatte eine Reihe von Shows im MoMA. Aber es benötigte einen großen Händler [Hauser & Wirth], um ihre Preise anzuheben.“ Trotzdem legen die Galerien und Stiftungen großen Wert auf Museumsausstellungen und Akquisitionen. "Eine Museumsausstellung zeigt, dass ein verstorbener Künstler im Gespräch relevant bleibt", sagt Melissa Levin, Vizepräsidentin von Artists, Estates und Foundations bei AAP. "Sie halten Künstler in einem internationalen Dialog, was für das Erbe der Künstler wichtig ist." In der Tat werden Ausstellungen als so wichtig erachtet, dass einige Galerien eigene Museums-, Teil- oder Nichtverkaufsausstellungen veranstalten. Im Jahr 2017 begeisterte die Gagosian Gallery London mit einer Show des verstorbenen Landschaftsmalers Michael Andrews, in der nur wenige Werke zum Verkauf standen. In New York hat Eykyn Maclean kürzlich mit der Künstlerstiftung eine Ausstellung des ukrainischen Modernisten Alexander Archipenko (1887-1964) gezeigt. Die Show vermischte Werke zum Verkauf mit Museumsdarlehen und wurde von einem umfangreichen Katalog begleitet. „Wir wollten uns auf seine bahnbrechende Nutzung des negativen Raums konzentrieren“, sagt Nicholas Maclean, Mitbegründer der Galerie. „Wenn eine Show einen Aspekt der Arbeit eines Künstlers hervorhebt, der übersehen wurde, kann dies sehr interessant sein. Die Reichweite einer Galerie, vor allem in den Großstädten, bedeutet, dass die Menschen auf ein Thema aufmerksam gemacht werden können, das bisher noch nicht viel beachtet wurde. “Das Interesse am Markt von Archipenko wächst. Bei Sotheby's New York im November erzielte die Skulptur Walking (1912) 735.000 US-Dollar, mehr als das Doppelte der hohen Schätzung von 300.000 US-Dollar.

 

7. Conclusio

 

Was passiert, wenn ein Künstler stirbt, ist unvorhersehbar. Viel hängt von seinem Ansehen ab, von der Attraktivität der Arbeit, von der produzierten Menge und ihrem Verbleib, davon, ob seine oder ihre Angelegenheiten in Ordnung gelassen wurden oder nicht, ob eine leistungsstarke Galerie mit Verkäufen beauftragt wurde und falls es Fälschungen auf dem Markt gibt, ob ein Werkverzeichnis vorliegt, um die Menge und die Echtheit der Produktion zu klären.

 

Von den 23 Künstlern, die über ausreichende Informationen zum Weiterverkauf für das Mei Moses-Team verfügten, wiesen 13 in den zwei Jahren nach dem Tod eine Wertsteigerung auf, fünf blieben konstant und für fünf fielen die Preise. Die Informationen zum Wiederverkauf neigen jedoch zu den meistgehandelten Künstlern auf dem Markt: Superstars wie Warhol, De Kooning, Rauschenberg und Calder.

 

Die meisten Experten sagen, dass die Preise der Künstler nicht unmittelbar nach dem Tod steigen, außer in Ausnahmefällen. Exposition führt jedoch zu einer Erhöhung des Auktionsvolumens. Artnet-Daten zeigen, dass für fast alle Künstler auf der Mei-Moses-Liste in den zwei Jahren nach dem Tod mehr Arbeiten unter den Hammer kamen, (in vielen Fällen deutlich mehr) als in den zwei Jahren zuvor.

 

Langfristig ändert sich das Bild. Die Forschungen des Aspen Institute zeigen, dass der Anstieg auf dem Kunstmarkt den größten Einfluss auf den Wert einer von Künstlern gestifteten Stiftung hat. Aber ein gutes Stiftungsmanagement macht einen großen Unterschied. Stiftungen wie die Jay DeFeo Foundation haben hart daran gearbeitet, sich einen Ruf für eine Künstlerin zu erarbeiten, die nicht bekannt war, als sie 1989 in Kalifornien starb.

 

Dominique Lévy von Lévy Gorvy sagt: „Ihre Sorge und Ihre Verantwortung müssen das Erbe sein. Das bedeutet, den Künstler zu verstehen, ihre Bedeutung für die Kunstgeschichte und dann Botschafter zu sein.“Abgesehen von Zao Wou-Ki arbeitet die Galerie mit den Nachlässen von Künstlern wie Terry Adkins (1953-2014) und Carol Rama (1918-2015) zusammen. „Erbe bedeutet, die Arbeit zu Menschen zu bringen - Künstlern, Kritikern, Museen, Stiftungen, Passanten, Kunstliebhabern, jedermann - und ihnen den Zugang zu diesem Künstler und zum Erbe zu ermöglichen. Der Preis ist nur die Folge davon“, fügt sie hinzu.

 

Der Aufbau eines Vermächtnisses ist leichter gesagt als getan. „Einen Konsens über die Arbeiten eines Künstlers zu finden ist ein komplizierter Prozess, sowohl lebendig als auch tot, aber es kann einfacher sein, wenn ein Künstler bereits verstorben ist“, sagt Gingeras. Sie schrieb kürzlich ein Positionsschreiben, in dem sie darauf hindeutet, dass Julian Schnabels Arbeit von seinem finanziellen Erfolg und seiner sozialen Exposition überschattet wurde.

 

"All die Verblendungen und die Publicity um das berüchtigte Ego ist verschwunden, Erzählungen können poliert und Geschichten umgeschrieben werden, wenn ein Künstler nicht mehr unter uns ist", sagt sie und verweist auf Martin Kippenberger und provokative feministische Künstler. "Es ist viel einfacher, sie zu historisieren, ohne die patriarchalische Dominanz der Kunstwelt wirklich zu bedrohen."

 

Insofern kann es passieren, dass es dem Markt langfristig leichter fällt mit einem verstorbenen Künstler umzugehen als einem Lebenden.

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